MuBE_Educativo

Equipe do educativo para as exposições: USAnatomy de Steven Klein e 4 Estudos Para o Corpo.

2011-09-29T13:28:00.000-07:00

Curadoria (diálogo com a abordagem curatorial).

2011-09-28T08:44:00.001-07:00

O estudo pode ser compreendido como um esforço de aproximação reflexiva frente determinado objeto. Nesse caso, quatro artistas trabalhando por meio de diferentes linguagens, desenvolvem alguns esforços sobre o mesmo tema. O que eles possuem em comum? Exercícios que traduzem para a linguagem artística situações sofridas pelo corpo, tais como suturas, fraturas, queimaduras e metamorfoses.
4 estudos para o corpo consiste na apresentação desses diferentes exercícios para desdobrar o que se compreende fisicamente por corpo: extensão, porção e densidade. A partir de seus respectivos universos criativos, Alberto Oliveira, Felipe Bittencourt, Marina Inoue e Vanderlei Lopes abordam o corpo como estado de contato, envolvimento, manipulação e transformação.
Alberto Oliveira se aproxima pela ótica da metamorfose, compondo, pela manipulação gráfica uma situação absurda, e extremamente lírica, para a evolução biológica. Felipe Bittencourt exercita-se pela condição do atrito e da fratura, desenvolvendo os impactos duros da queda por meio de um diálogo mudo com a superfície. Marina Inoue traz as marcas da sutura, tecendo e vestindo um manto feito de vísceras, provocando o diálogo entre corpo sagrado e profano. E, por fim, Vanderlei Lopes enfatiza a ação do desenho por meio da queimadura, se utilizando de materiais reagentes como pólvora e fogo para gravar o concreto.
Desse modo, por meio de manipulações, costuras, atritos e queimas, as marcas do corpo são deixadas provisoriamente na sala do MUBE.

Naum Simão de Santana
Curador

Ações (registro e reflexões sobre as propostas práticas desenvolvidas durante a visita).

2011-09-28T08:41:00.001-07:00

"Corpo-Coisa"

O exercício poético "corpo-coisa" pretende discutir pelo aspecto do corpo, o carater acumulativo, superficial e transitório das diversas manifestações midiáticas emergentes. A ideia principal é sobrecarregar o corpo com todos os materiais possíveis que cada grupo espontaneamente traz, e a partir dessa alteração estrutural e visual, refletir sobre identidade e a alteridade.

Frases do dia (anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas).

2011-09-28T08:38:00.000-07:00

Convivências (produção de devaneios, subjetividades e investigações poéticas).

2011-09-20T08:42:00.001-07:00

Equipe do educativo para a exposição RHAPSÓIDIA - GUSTAVO ZILBERSZTAJN.

2011-08-10T11:38:00.000-07:00

Curadoria (diálogo com a abordagem curatorial).

2011-08-10T11:37:00.001-07:00

Rhápsoidia,

derivado do grego, representa aquilo que faz parte do poema, como uma sutil composição de um movimento, quase que uma dança, quase que um sonho. nada mais do que uma expressão do sentimento e dos sentidos.
essa dança, essa fluidez, nada controlável, busca dentro do mesmo espaço infinitas formas e composições.
delicados, leves e muito sutis, esses movimentos procuram uma geometria indefinida, podendo ser interpretada ao olhar do observador, de acordo com o que quer enxergar.

Fotografia: Gustavo Zylbersztajn
Curadoria: Leo Macias

Ações (registro e reflexões sobre as propostas práticas desenvolvidas durante a visita).

2011-08-10T11:34:00.000-07:00

"Rhápsoidia - Ar"

"Rhápsoidia - Água"

Frases do dia (anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas).

2011-08-10T11:32:00.001-07:00

- “olha aquele quadro todo bagunçado ali.”

- "Isso é cabelo"!

- "Olha mãe, parece um monte de cogumelos"!

- "Aquele parece um "dementador" do Harry Potter".

- "Parece uma água viva"!

Convivências (produção de devaneios, subjetividades e investigações poéticas).

2011-08-10T11:31:00.001-07:00

Desenhos - David Mota

Ação-Educativa do MuBE

2011-07-19T14:45:00.001-07:00

O Museu Brasileiro da Escultura (MuBE) vem concentrando esforços para o fortalecimento e a ampliação de sua ação educativa. Entre outras iniciativas, tem destaque os processos em torno das visitas mediadas, que compreendem novas abordagens criativo-pedagógicas. Além disso, o Museu criou uma área especial denominada "teiaMuBE", que propõe novas relações dialógicas com na cidade de São Paulo através de projetos colaborativos de intervenção urbana.

Para as visitas mediadas a ação educativa do MuBE conta com uma plataforma virtual - http://mubeeducativo.blogspot.com, que tem como ideia central tornar públicas as atividades educativas do Museu. Nesse site publicamos semanalmente todo o processo de desenvolvimento dos percursos, oficinas e propostas vivenciadas ao longo das exposições. Dessa forma pretendemos trabalhar com dois objetivos.

O primeiro é o de dar às visitas mediadas um caráter extensivo e continuado, criando um processo de identificação e pertencimento por parte de todos que participam das mediações, sejam os alunos das diversas escolas da cidade, ou mesmo o público espontâneo do Museu. E o segundo, mas de igual importância, é o de dar "voz" aos educadores, que irão se expressar e alimentar para cada exposição os diversos links do blog do educativo.

No site, entre os principais links, estão "Curadoria" ( diálogo com a abordagem curatorial), "Ações" ( registro e reflexões sobre as propostas práticas criadas e desenvolvidas para cada exposição), "Frases do Dia" ( anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas) e "Convivências" ( produção de devaneios, subjetividades e investigações poéticas decorrentes do tempo de permanência do educador no espaço expositivo).

Para a realização de projetos colaborativos, o Museu criou o “teiaMuBE” , que reúne artistas de diferentes origens para fomentar e criar um canal de intercâmbio cultural entre Museu e cidade. Essas ações pretendem deslocar a instituição para fora de seu território físico, promovendo a difusão da arte e educação em toda a área urbana em que está inserido, estabelecendo assim uma relação de troca contínua de influências que também estimulem seu próprio desenvolvimento.

Murilo Kammer/Roger Pascoal

2011-07-12T10:00:00.000-07:00

Equipe do educativo para as exposições: "Outra_Relação" e "Poética da Forma - Oscar Niemeyer".

2011-07-12T07:23:00.001-07:00

Curadoria (diálogo com a abordagem curatorial).

2011-07-12T07:22:00.001-07:00

Ocupação transitória

Casa é um lugar ocupado, ou seja, espaço coberto e preenchido, temporariamente, por objetos, corpos, afetos e relações.

O museu que, originalmente, foi o lugar de coleção e reunião de objetos, transforma-se na contemporaneidade em espaços de ocupação transitória. Assim, o Instituto Brasileiro de Museus nos apresenta a seguinte definição-proposta:

Os museus são casas, que guardam e apresentam sonhos, sentimentos, pensamentos e intuições, que ganham corpo, através de imagens, cores, sons e formas. Os museus são pontes, portas e janelas, que ligam e desligam mundos, tempos, culturas e pessoas diferentes. Os museus são conceitos e práticas em metamorfose.

O Museu-Casa é o lugar de experiência interpessoal, espaço de convivência com a sensibilidade, de trânsito pelas linhas arquitetônicas e pelas propostas de modificação de seu ambiente. Nesse sentido, Outra relação é uma proposta de interferência, em que nove artistas criam situações variadas para a Pinacoteca do MUBE, a fim de suportar as idéias de relação e afeto, como motivo de interferência no espaço. Transformando o Museu em um lugar doméstico, os artistas interferem, ou melhor, afetam o seu concreto com desejos temporários, seja por meio de objetos, móveis, olhares e acúmulo, seja pela linha, luz, volume e fragilidade.

Luli Guilarducci e William Keri entram na casa com suas coleções. Por meio da reunião de objetos, depositados e organizados, sistematicamente, sobre a bancada de trabalho, Guilarducci propõe a composição cromática como modo de alteração do espaço. Keri explora a escultura, através de sua natureza espacial, empilhando flyers e expondo a alteração do volume à interferência do público.

Liz Magalhães e Karine Guerra trazem os seus espelhos. O espelho de Magalhães apresenta-se ora na árvore, que reflete diretamente o entorno, ora nos móveis e artigos, que fazem ecoar o imaginário feminino. Já no espelho de Karine Guerra, em “Apreensões Contíguas”, o painel de olhos eletrônicos, que atravessa as cápsulas de óleo é apresentado como modo de criar contato (relação) por meio da quebra, repetição e semelhança (unidade).

Luciano Zanette, Carlos Gonzalez e Bertoneto Souza fazem do artefato doméstico de acabamento subvertido, o modo de afetar o espaço por meio da linguagem plástica. As linhas feitas por alongamento, como estratégia de ocupação vertical ou horizontal do ambiente, apresentam-se tanto nas “cercanias” de Zanette, quanto nas “ex-tensões” de Gonzalez ou nas “medidas” espaço-temporais de Bertonetto.

Por fim, Murilo Kammer e Larissa Leão trazem o plano arquitetônico da casa. No caso de Kammer, a construção realiza-se por meio de linhas-vetores, com direções e síntese de forças no espaço. Leão, com suas “arquiteturas efêmeras”, trabalha com a perenidade do sal e a fragilidade de sua conformação em tijolos.

Relação é uma circunstância a que os objetos, corpos e espaços são lançados. É o caráter de algo cuja posição sugere a posição de outro. Afeto, nesse sentido, pode ser entendido como ato de causar situações em si ou no outro. Pensando a arquitetura e o propósito do museu como “práticas em metamorfose”, criar circunstâncias para relação e afeto é compreender como pensamentos e sentimentos podem “ganhar corpo” por meio de artefatos, linhas, cor e volume. Outra relação é um raciocínio plástico a respeito de sensações e intuições no espaço.

Naum Simão de Santana

Ações (registro e reflexões sobre as propostas práticas desenvolvidas durante a visita).

2011-07-12T07:18:00.000-07:00

"Territórios"

Exercício de criação, ocupação e significação de territórios temporários.

Frases do dia (anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas).

2011-07-12T07:13:00.001-07:00

"104 anos????!?!!?!!"

"Um disco voador?"

"Nenhuma casa tem mesas e cadeiras desse tamanho!"

"Parece uma prótese de silicone".

"Não acredito que ele é brasileiro!"

"Se não vai me dizer que isso é um prédio!"

Convivências (produção de devaneios, subjetividades e investigações poéticas).

2011-07-12T07:12:00.001-07:00

O link "Convivências" é utilizado pelos educadores para dar visibilidade aos processos subjetivos detonados no período das exposições. A partir da convivência com o conjunto de obras e suas extensões pelo Museu, os educadores são convidados a se expressarem em criações plásticas, literárias e pedagógicas. A principal intenção é legitimar seus devaneios e inconstâncias poéticas como material de pesquisa e reflexão no campo da arte e da educação.
Murilo Kammer

Produção gráfica do educador David Mota

Vídeos produzidos pelo educador Lucas Arguello durante a exposição Outra_Relação.

Equipe do educativo para a exposição: ARCHEA - SUSTAINABLE LANDMARKS.

2011-05-31T10:23:00.000-07:00

Curadoria (diálogo com a abordagem curatorial).

2011-05-31T10:21:00.000-07:00

O processo de criação pedagógica proposto para a exposição Archea Sustainable Landmarks teve inicio a partir da abordagem curatorial, que tem como princípio a ativação dos espaços circundantes para promoção da sustentabilidade local.

O desenvolvimento das ações criativas explorou algumas etapas como:

- "Arquitetura Livre" - ações construtivas independentes, algo que não considera o entorno como princípio para criação de algo.

- "Arquitetura Ativada" - ações construtivas relacionadas com o espaço, exercícios de configuração e harmonia entre a arquitetura e as condições locais, exploração dos perímetros do Museu.

- "Arquitetura Customizada" - ações construtivas a partir de uma matriz/marquise do Museu.

Ações (registro do percurso das propostas práticas desenvolvidas durante a visita).

2011-05-31T10:20:00.002-07:00

"Arquitetos Mirins"

"Arquitetura Livre"

Proposta de construção autônoma de maquetes arquitetônicas.

"Arquitetura Ativada"

Proposta de relação entre a construção plástica tridimensional e o espaço circundante do Museu.

"Arquitetura Customizada"

Propostas desenvolvidas a partir de uma maquete da marquise do Museu.

Frases do dia (anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas).

2011-05-31T10:18:00.002-07:00

Convivências (devaneios e subjetividades)

2011-05-31T10:18:00.001-07:00

26 de Maio, final da exposição Archea.

Como foi prazeroso fazer parte desta exposição! Convivemos com pessoas maravilhosas nesses 19 dias juntos com a equipe da Archea.

E ficam as imagens...:

Giuliana, uma italiana que fala cantando nosso português e que também é professora de italiano para brasileiro, uma pessoa bem divertida, e Vitória, uma designer brasileira que mora em Firenze e que está excepcionalmente nessa exposição. Também estava esporadicamente, Marco Casamonti, um do sócio-dono do estúdio Archea, pessoa simpática e atenciosa. Os italianos são falantes, e gesticulosos ao extremo! Pessoas boas para conviver.

Mas infelizmente hoje é o ultimo dia. Já estou com saudades! Formamos uma família nesse dias. Uma família de amigos com momentos alegres e de muitas informações trocadas.

Apareceram comentários interessantes sobre o trabalho do estúdio Archea que usamos nas atividades que propomos para as crianças que vinham à exposição. Os italianos valorizam sua arquitetura ao ponto de criarem edificações duráveis por muitos anos. Exigem conforto e privacidade nas obras. Então comentamos sobre nós, brasileiros, que atualmente só construímos na maioria das vezes, para vender e não para viver bem em relação ao espaço urbano. É interessante quando deparamos com coisas que não pensamos normalmente. E como explicar para as crianças esse tipo de entendimento? Como mudar isso? É ai que entra o educativo. Criar atividades integradas ao pensamento escultórico da arquitetura propondo uma leitura lúdica pela ótica da criança. Não colocar regras e deixar suas imaginações flutuarem é a melhor maneira de entenderem a importância da arte na vida.

Estar num ambiente criativo, recheado de mentes livres, sem regras para sonhar o pedagógico na arte, significa para o educador, partilhar da mesma vibração das crianças no momento da atividade, é mais do que ensinar algo sobre arte,

é aprender como se deve criar: livre de preconceitos e regras, penso eu.

Lucas Arguello

Ação-Educativa do MuBE

2011-04-17T15:00:00.000-07:00

O MuBE - Museu Brasileiro da Escultura oferece este espaço como ferramenta para criação, formação, reflexão e extensão pedagógica em torno dos registros de suas visitas mediadas.

A ideia central é tornar públicas as atividades educativas do Museu. Neste site publicaremos todo processo de desenvolvimento de percursos, oficinas e propostas vivenciadas ao longo das exposições.

Dessa forma pretendemos trabalhar em dois objetivos:

O primeiro é o de dar às visitas mediadas um caráter extensivo e continuado, criando um processo de identificação e pertencimento por parte de todos que participam das mediações, sejam os alunos das diversas escolas da cidade, ou mesmo o público espontâneo do Museu.

E o segundo, mas de igual importância, é o de dar "voz" aos educadores, que irão se expressar e alimentar para cada exposição os diversos links do blog do educativo.

Entre os principais links estão Curadoria( diálogo com a abordagem curatorial), Ações( registro do percurso das propostas práticas desenvolvidas), Acertos e Erros( refletir a cerca do que deve ser alterado ou acrescentado ao percurso mediado), Frases do Dia( anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas), Convivências( devaneios e subjetividades decorrentes do tempo de permanência do educador no espaço expositivo).
Murilo Kammer

Equipe do educativo para as exposições: "Rock e Barroco" e "Visões" de Pedro de Kastro.

2011-04-17T12:54:00.002-07:00

Curadoria (diálogo com a abordagem curatorial).

2011-04-17T12:54:00.001-07:00

Ações (registro do percurso das propostas práticas desenvolvidas durante a visita).

2011-04-17T12:53:00.001-07:00

Pintura de Luz

Para contextualizar as experiências de saturação, exagero e acúmulo cultural propostas na exposição Rock e Barroco, fizemos exercícios com pintura de luz no auditório do Museu. A proliferação desordenada de cor e gesto no espaço causou diversão e surpresa do inicio ao fim!
Murilo

Grupo de crianças avaliando o trabalho realizado no projetor do auditório.

Fazer arte brincando! Dei uma lanterna para cada criança. Elas olharam para mim como quem pergunta se isso realmente vai dar certo. Desenhar com uma lanterna? Sim, dá certo. Todos em silêncio, concentrados fazendo arte! As reações quando o resultado foi projetado no telão foram incríveis... Queria ter gravado a carinha deles!

Anna Clara Hokama

"Universo particular"

Para a exposição do artista Pedro de Kastro, a ação educativa priorizou o raciocínio do desenho de observação e invenção, a construção por contraste através do recorte pelo negativo, e a percepção do detalhe ampliado pela luz lançada sobre o desenho e projetada na parede interna do espaço expositivo.

Lupa - observação dos detalhes da construção gráfica.

Grupos reunidos.

Projetos individuais.

Projeção/ampliação através do contraste luminoso.

Etapa final de apresentação do trabalho.

Grupos participantes.

Acertos e erros (reflexões acerca do que deve ser alterado ou acrescentado ao percurso mediado).

2011-04-17T12:52:00.003-07:00

Público espontâneo:

Naomi e Olívia, duas lindas garotas admiradas com as carpas, enquanto seus pais admiravam os traços das obras. E tal era a tranqüilidade quanto ao tempo da visita ao museu, que todos toparam participar das propostas práticas criadas para a presente exposição. Todos amaram a ideia, “Vamos fazer arte!”
Olívia (6 anos) optou por desenhar os bonecos na exposição Rock e Barroco, e disse: “ vou colorir com água!” e Naomi( 2 anos e 9 meses) preferiu as pinturas “abstratas”. Sobrou uma trincha e para minha surpresa o pai logo se animou. Desenharam em família, no muro e no chão. E gostaram tanto da ideia que toparam fazer a atividade de busca de contrastes com recortes e projeção de luz criada parao espaço do Pedro de Kastro. Todos participaram! Mãe, pai e filhas. Um ajudou o outro, e acredite se quiser: Naomi, com suas pequenas mãozinhas aprendeu a recortar sozinha! A seu modo, mas deu tudo certo. Olívia desenhou novamente os bonequinhos que viu na exposição, um por um com detalhes, e desenhou também ela mesma em uma bicicleta. O pai desenhou um crocodilo, e a mãe o rosto visto nas obras de Philippe Coppée. Após terminado, projetamos os desenhos em local escuro, o rosto desenhado pela mãe ficou enorme! E tudo virou festa, o rosto em meio a sala de exposição vazia e escura, "correu" atrás de Naomi e Olívia (risos)!
Sula

Atendi em uma visita guiada um grupo de jovens (entre 11, 13 anos) “armados” com suas maquinas fotográficas registrando tudo que viam, desde a chegada no museu. Empolguei-me e pedi que tirassem foto de tudo que estavam vendo, e depois que mandassem essas imagens para o educativo via e-mail, e que essas imagens estariam no blog do educativo do MuBE. Adoraram a ideia. Todos concordaram. Depois que a escola foi embora fui comentar o fato com o Murilo e vi que cometi um erro de intenção! Não que estaria errado registrar o passeio dessa turma, e nem que o registro em demasia não poderia até se tornar algo expressivo, mas o Murilo me esclareceu que seria mais produtivo e valoroso registrar atividades relacionadas com o museu e suas exposições. Entendi meu possível equivoco. Fui descontroladamente barroco na minha intenção, cabeça nas nuvens, pés também!!!
Lucas

Frases do dia (anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas).

2011-04-17T12:52:00.001-07:00

“Parece a cidade do futuro”

“Moça, é você quem faz a demonstração dos quadros?”

“Não vejo como consumismo, vejo conformismo” (em relação a obra de Johan Muyle).

“Obrigado por me ensinar a ver arte” (grupo AVAPE).

“ Nós criamos monstros que só existem para nós mesmos”
Sr. Luiz Gonzaga (16/04/11)

“ Quando um cara está aprendendo a pilotar um avião, são dadas apenas algumas dicas, e uma delas é a seguinte: Quando você avistar a área de pouso, observe uma vez, e para o seu próprio bem, observe novamente.”
(A pessoa referia-se as obras de Pedro de Kastro)

Convivências (devaneios e subjetividades)

2011-04-17T12:49:00.000-07:00

Sequência fotográfica realizada pelo educador
Lucas Arguello na exposição Rock e Barroco.

Andar solitariamente pela exposição, numa tarde de final de semana, sem nenhuma alma viva visitando o museu, me fez pensar, refletir sobre coisas aleatórias da minha vida. Mergulhado em devaneios, entrei num estado de perplexidade de ideias e angustias, não realizações e frustrações. O áudio dos vídeos das obras de Johan Muyle potencializava minha euforia interna. Entrei em depressão repentina. Comecei a andar freneticamente pelo espaço. Estava angustiado. E pior: sozinho. Então me dei conta do que estava acontecendo. Nada disso era verdade! O que eu tô fazendo? Por que estou assim?? Como fiquei mal derrepente? Nesse momento percebi que o externo influenciou meu interno. Mas quem? Não havia ninguém ali?! ... Mas é claro! Eu não estava sozinho! Eu estava com as obras da exposição bombardeando silenciosamente meus pensamentos e atitudes! Que ingênuo! Comecei a rir da situação. Da minha situação.
Fui influenciando "sensorialmente" pela arte. Um dos vários caminhos estéticos que as artes proporcionam para nós, simples mortais. Deixou marcas em mim. Amei descobrir e sentir isso!
Lucas

A minha primeira monitoria foi com um grupo e tanto. Pessoas especiais da instituição AVAPE. Foi mais do que pensei... Fantástico! Pessoas muito carinhosas, que estavam realmente interessadas em aprender, e sem querer acabaram nos ensinando muito. Atenciosos! Adoraram poder tocar nas esculturas e fazer “música” com elas. Perguntaram e interagiram. E neste ponto podemos ressaltar o fato de que a arte, deve sempre ser para todos!
Sula

Fui auxiliar a professora Cristiane em sua aula para idosos “Faça a memória”. As Senhoras foram visitar a exposição “Visões” de Pedro de Kastro, e colocamos as cadeiras em frente a uma das obras para que elas pudessem se sentar, enquanto eu falava um pouco sobre o trabalho. Uma das Senhoras, Dona Neísa, passou muito mal, ficou inconsciente, mas alguns minutos depois reagiu. Logo seu filho chegou e a levou para o hospital. Ficamos sabendo que dona Neísa está internada e que o mal estar que tivera na exposição foi o começo de um AVC. Fiquei pensando... como deve ter sido difícil para as demais colegas e até mesmo para a professora dar continuidade a aula. Somos muito frágeis...
Sula

Durante a exposição de Pedro de Kastro percebi o quanto as pessoas saem admiradas e impressionadas. Muitas delas dizem em voz alta: “Ele é louco”.
O fato é que diante de tantos os detalhes nós mesmos nos sentimos loucos, por 10 ou 15 segundos, por isso dizemos que ele é “louco” , porque ele consegue provocar isto com traços. Muitos traços. Algo curioso é a presença da figura humana na maioria das obras. Ela está sempre menos do que a arquitetura, parece ser insignificante e impotente diante a grandiosidade do trabalho. Cada vez que olhamos uma obra vimos algo diferente. Muitas pessoas dizem que o trabalho parece ser “onde está Wally?” e outras dizem que não gostaram porque é muito"macabro”. Nessa exposição, ou se ama, ou se odeia, ninguém tem saído de lá indiferente, do mesmo jeito que entrou.
Sula

Equipe do educativo para as exposições: "Noites Alvas" de Pierre Zufferey e André Raboud, Graffiti Fine Art VIII, "One Blood" de Lucio Salvatore.

2011-03-15T16:27:00.000-07:00

Curadoria (diálogo com a abordagem curatorial).

2011-03-15T16:26:00.000-07:00

Ações (registro do percurso das propostas práticas desenvolvidas durante a visita).

2011-03-15T16:23:00.000-07:00

GESTO E ÁGUA

Em decorrência das três exposições acima, a experiência "gesto e água" propõe a exploração do espaço e da estrutura física do museu como suporte para os golpes e lançamentos expressivos de água sobre o concreto. Esse exercício permite abordagens sobre abstração e figuração, a efemeridade na arte, o corpo na ação gestual, os diferentes suportes, substâncias, instrumentos e suas expressões na linguagem visual. Murilo

Museu, lugar onde o tato se aflora, ainda mais quando o mote é a materialidade das coisas, seja de objetos tridimensionais ou simplesmente a textura que se cobre por um acrílico! O MuBE com seu jardim de escultura suspenso traz uma fuga para os dedos da curiosidade. Iniciar lendo uma escultura visualmente e posteriormente com o tato, encanta e abre uma discussão que até com os pequenos pôde ser realizada, sobre o público e o privado, o dentro e o fora, o externo no interno como no caso do graffiti e por ai a fora. Relações espaciais pensando o corpo em sua movimentação sobre outro corpo estático para descobrir seus relevos e formas, no bi e tridimensional, ao imaginar quantas camadas de tinta e qual o formato teria essa imagem, como ela se comportaria se fosse tridimensional?; teria relevo?; seria lisa ou áspera?; O que aconteceu foi uma leitura formal sobre os trabalhos com muita qualidade de observação. O que parece ser eterno, as marcas sobre a serpentina da índia se opõem a efemeridade do graffiti e a duração incerta de retratos realizados com a forma mais líquida do ser humano, o sangue, contudo a memória está ali, presente em todos, seja a memória de um golpe de pincel com tinta sobre uma tela ou a memória genética usada como suporte para construção de retratos.

Se tratando de suportes e de efemeridades, a atividade prática de pintar os muros de concreto com água, usando trinchas e brochas, evidenciou as diferentes possibilidades de se usar um mesmo suporte e as suas especificidades, desde o controle até as casualidades, por fim, a breve materialização de como um desenho que partiu de uma observação de algo concreto que estava ao alcance dos olhos perde sua figuração até ser completamente desmaterializado ao evaporar.

Rafael

Acertos e erros (reflexões acerca do que deve ser alterado ou acrescentado ao percurso mediado).

2011-03-15T16:21:00.000-07:00

Frases do dia (anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas).

2011-03-15T16:20:00.000-07:00

Durante uma visita com um grupo fazendo leitura sobre uma escultura que tem como nome “Homem Alado”, construindo paralelos entre figurativo e abstrato, influência de títulos, uma criança diz: “eu já fiz um desenho abstrato, que para mim era figurativo, mas para os outros era abstrato”, dando margem assim para que as interpretações não mais se fitassem aos títulos... Rafael

"There two diferent artists? I can't imagine...for me are the same person." Ele, assim como eu, percebeu a similaridade e o diálogo das esculturas com as pinturas.
"I think the name very interesting...about the night. These colors are so down...black and white...I don't know...I think they need more life" Ele comenta que as pinturas parecem muito monocromáticas e começa a falar de seu interesse pela cor em suas pinturas.

Convivências (devaneios e subjetividades).

2011-03-15T16:18:00.000-07:00

Parece um grande desafio “educar” as nossas crianças a gostar de arte. Eu nunca tinha visto uma criança com menos de dez anos entrar, vivênciar e sair do espaço expositivo sozinha. Na última terça isso mudou. Foi lindo ver dois meninos de aproximadamente dez anos se aproximando e entrando sozinhos pelas portas do museu, super curiosos e educados. Viram a exposição fazendo comentários um com o outro. Perguntei se eles estavam sozinhos, os mesmos confirmaram dissendo que viram a divulgação e combinaram de ir vistar juntos. Nesse momento abriu-se no meu rosto um sorriso tão grande que eles me olhavam com uma cara de “ué, a algo de errado nisso”. Realmente não há nada de errado, mas ainda levamos um grande susto quando vemos uma criança entrar sozinha em um Museu, nos preocupamos logo em procurar os pais, em saber se está tudo bem e etc. O ideal seria não serntirmos essas preocupações, pois isso deveria ser mais frequênte, porém o Brasil ainda anda a passos curtos no setor da educação e da cultura. Depois desse dia e até hoje, meu coração bater mais forte e minha crença na educação subiu mais um nível.
Luciara

Sozinha – Escolha ou renúncia?
Olhando as paredes cinzas que me cercam em um sábado frio consegui entender o que o Pierre Zufferey quis dizer quando falou em seu texto que a pintura é algo solitário.
Não adianta você está cercado de pessoas se o seu trabalho depende apenas de você, isso gera sim uma sensação de solidão.
Estar sozinha fez com que eu apreciasse as obras e conseguisse entender que aquele belíssimo resultado foi fruto de escolha e renúncia. Pois uma coisa não anula a outra.
Numa mesma exposição a combinação de luzes e as obras fizeram sim um clima mais pesado, mas nem por isso estranho. Muito pelo contrário eles deram forma e uniram tudo que os artistas falaram e o mais importante, tudo o que as obras diziam. Você sente que faz parte desse mundo, mas somente percebe se você parar e observar se deixando levar por toda aquela sala.
Aprendi que enquanto muita gente dormia, em pleno sábado de manhã existem lugares que não precisam dormir e sim, que acolhem quem acordou sozinho.
Descobri que certos momentos foram feitos para você acordar, levantar e aproveitar sozinho. Por isso muitas vezes observei pessoas de todos os perfis indo sozinhas apreciar “Noites Alvas” e foi uma pena que só descobri o verdadeiro sentido disso no último dia, pois acho que teria aproveitado muito mais.
Mas deixo meu relato, só cheguei a essa conclusão quando olhando a exposição e refletindo sobre tudo que os artistas falaram e olhando as pinceladas firmes de Pierre Zufferey e as obras impecáveis do André Raboud eu acabei chorando.
Luana

É carnaval, a cidade dorme.
Aqueles que acordam para contemplá-la, poderão explorá-la de forma plena.
Alguns escolhem caminhar por ruas antes entupidas de carros, propagandas e pessoas atrasadas.
Ali, na avenida Europa, está discretamente localizado uma grande obra escultórica.
Primeiro, avista-se uma praça ladeada por altos portões. O sobe e desce das escadas revelam o que Paulo Mendes de Rocha projetou.
Dentro da grande caixa de concreto, estou submersa, em meio a murais que me lembram o que está acima de mim: a cidade de São Paulo.
O museu dentro de sua quietude matutina, recebe alguns despertos no sábado de carnaval.
Não há euforia, nem tampouco brincates com seus abadás. Mas há contemplação.
Dois olhos de um azul profundo avistam o painel coletivo de Binho e seus companheiros. Lá está o "minhocão" e imediatamente dona Leonor, do
alto de seus 80 anos, aponta e diz: - eu gosto de grafismos! Caminho pela vinte e três de maio e me deparo com coisas lindas!
Ela é artista plástica. É pintora. Vem de uma geração que participou os primeiros salões de arte na cidade que ainda crescia. Com seus amigos artistas, promovia exposições, debates e palestras.
Sente dificuldades em adaptar-se a esse tempo furtivo da cidade que cresceu e não consegue abrigar tantos filhos. Mas sente encamento com o que os "meninos" andam fazendo pelas ruas.
Investiga, olha, afasta e toca. Encontra traços de lápis, colagem e letras incompreensíveis.
Binho e Leonor são de gerações distintas. Cada qual presenciaram mudanças significativas nesta cidade. Mas a forma sensível com que se relacionam com a cultura paulista os aproxima.
Leonor lamenta: - Todos os meus amigos morreram e não tenho mais com quem discutir sobre nada.
Diz tudo isso sem tristeza nem tampouco melancolia. Abre um largo sorriso e sai.
A manhã de carnaval findou e os meus olhos voltam-se para o crepúsculo de Binho, Phero e Vespa.

Amanda

Existiram momentos em que eu ficava sozinho, em silêncio, e isso fazia com que meus pensamentos me dominassem. Eu caminhava pela exposição e sentia a solidão, a noite. Não sei se os artistas sentiram isso, mas vi e senti a melancolia de seus trabalhos. Pela primeira vez chorei. Em meio a aquele vazio espacial, soltei e senti as frustrações fluírem. Comecei a sentir a forma, as cores, os movimentos me engolindo.
Porém uma coisa foi boa em tudo isso, comecei a refletir e me descobrir, a me localizar espacialmente e com isso comecei a fazer alguns atendimentos legais. Um deles foi com um pintor polonês chamado Robert Zarachowicz que reside no Canadá. Conversamos sobre diversas coisas e algumas me chamaram a atenção...

Leandro

Três. É o número dos espaços expositivos e em cada um deles uma exposição com naturezas ímpares, contendo percursos distintos, mas que convivem em um único espaço mais amplo que vai além das paredes do museu, onde fazer artístico se faz inerente ao ser humano, porém cada qual com sua poética e meio. Processos de construção e estratégias que caminham entre o abstrato e o figurativo que ao fim se cruzam com uma mesma indagação que flutua da boca, as vezes de forma macia, já outras de forma agressiva: ‘que coisa é essa?’. Neste momento não há diferenças entre figurativo e abstrato, a palavra ‘coisa’ coloca as três mostras em um mesmo patamar. Patamar esse de desvelamento, de olhar e ver, de significar e re-significar, lembrando dois poetas: “o menino que era esquerdo viu no meio do quintal um pente”, pente esse que se transformou em qualquer outra coisa que não em um pente, e esta transformação “tem peso, massa, volume ... sentido”, que foram ponto de partida para leitura dos trabalhos expostos indo do acervo, e construindo relações entre figurativo/abstrato, bidimensional/tridimensional, para depois entrar nas especificidades de cada mostra, seja o ritualismo do fazer artístico, ou o sangue usado como matéria prima ou então como a influência urbana se adapta em um espaço institucionalizado.

Trecho do poema “Desobjeto” de Manoel de Barros

Trecho da música “As coisas” de Arnaldo Antunes

Rafael

Equipe do educativo para a exposição da artista Carole Solvay.

2011-01-06T08:02:00.000-08:00

Curadoria (diálogo com a abordagem curatorial).

2011-01-06T07:59:00.000-08:00

A trama das penas

Esta exposição é o fruto de um belo encontro com Carole Solvay, que resultou em uma colaboração entre dois museus: Fundação Folon - Bélgica e Museu Brasileiro da Escultura - Brasil. Os sonhos e os ideais se transformaram em realidade.
O encontro aconteceu em 2007, na ocasião da abertura da exposição de Carole Solvay em Bruxelas. Pouco tempo depois, tive o privilégio de testemunhar o seu processo criativo, a relação do trabalho com o seu criador. Suas obras são feitas com penas de aves, com ou sem as bárbulas, utilizadas de diversas maneiras. Delicadas produções, instalações e esculturas aéreas, que deixam no espaço uma presença sensual e enigmática, sutil e de extrema beleza, evocando leveza, equilíbrio e translucidez. Sua força poética é a comunhão com a natureza. A trama das penas resulta em surpresa e emoção. Espero que estas parcerias sejam só o começo de uma longa jornada.

Cristina Barros-Greindl

Apesanteurs
Os desenhos secretos de carole solvay

Joost De Geest,
Curador honorário da Coleção Dexia
Fevereiro, 2010

O principal recurso de inspiração de Carole Solvay é a natureza. O seu contato com a fauna e a flora dos confins da floresta de Soignes, lhe proporcionou uma visão íntima de processos delicados que acompanham o crescimento e o desabrochar.
A artista vivenciou estas transformações lentamente no decorrer das estações. Esta experiência se expressa dentro de sua obra espontaneamente, sem ajuda de cursos ou de programas acadêmicos. A escola de arte que Carole Solvay freqüentou foi a própria natureza. Sem dúvida era ela a única aluna, o que explica talvez a impressão que nos dá de permanecer solitária dentro da paisagem artística contemporânea.
A artista escolheu um material surpreendente: plumas de aves. Não se trata de plumas espetaculares, coloridas e importadas de regiões exóticas. Ela utiliza plumas bem mais simples: negras, brancas e cinzas, às vezes com um toque de cor mais acentuado, no caso dos filamentos das plumas de pavão, por exemplo. Ela as emprega como elementos, objetos pictóricos e não como meio, como as plumas de ganso, usadas para escrever e desenhar.
Com suas instalações, Carole Solvay está talvez mais próxima do desenho clássico do que parece. O desenho tradicional permite aos artistas abordarem o seu tema sob todos os ângulos e decompô-lo em detalhes para melhor reconstruí-lo em seguida. Carole também, mas quase secretamente, sem papel. Seu desenho aparece nas paredes que cercam o seu trabalho, ou sobre o solo, ou mesmo na luminosidade que vem do alto.
O material utilizado, muitas vezes semitransparente, produz mesclas entre o negro e o branco ou cinza claro. Esta rede de linhas e de toques traduz uma mão espontânea, firme e uma sensibilidade relativa à luz.
A obra de Carole Solvay se situa um pouco na prolongação da arte têxtil pela transparência e o efeito de sua trama. Ela se aproxima também da arte espacial no sentido da ampla utilização de diversas fontes de luz.
A artista evoluiu muito e inicia uma nova fase, marcando este novo começo com peças como “Le Grand Nuage” (A Grande Nuvem), “Pluie” (Chuva),” Traversée" (Travessia) e Whispers (Sussurros) - esta última obra cinética, tendo sido concebida e realizada com Alain Chang.
Somos tocados pelo caráter monumental destas últimas peças. Esta grandiosidade não vem do formato. Ela emana do espírito de sua criadora.
Ao longo de sua carreira, Carole Solvay cultivou preciosamente o contato com a natureza, o silêncio e a humildade que esta comunhão inspira. Assim, ela se liga novamente, talvez sem querer, à tradição do Brabant e mais precisamente à da floresta de Soignes, onde encontramos os monges místicos. Ela ocupou bem antes a escola de Tervuren, um lugar de referência dentro do grande movimento da pintura flamenga antiga, dos Primitivos aos paisagistas dos Arquiduques, passando pelos Breughel. O passo silencioso de Carole Solvay não se parece com as paisagens de neve dos Breughel?

Ações (registro do percurso das propostas práticas desenvolvidas).

2011-01-04T02:51:00.001-08:00

Sensibilidade Material: proposta de manipulação dos materiais usados por Carole Solvay em seu trabalho.

Desenho líquido: borrifadores de água sobre parede de concreto aparente.

Essa proposta foi desenvolvida em diálogo com dois aspectos do trabalho da artista Carole Solvay. O primeiro aspecto é sua ligação com elementos materiais decorrentes da natureza e o segundo, é pelo carater formal de suspensão e unidade existentes em seu trabalho.
Borrifadas de água lançadas em desenho na parede, registro e evaporação, ciclo de retorno à unidade natural.

"Desmaterialização de Nuvem" é uma proposta de Ação Participativa emprestada por Murilo Kammer ao educativo da exposição da artista Carole Solvay no Mube. Trata-se de uma aplicação poética dos estudos atuais do cientista japonês Masaru Emoto sobre o poder curativo da água. Emoto demonstrou que a água é um elemento material que pode ser influenciado ou transformado pelo pensamento. Segundo suas teorias todo “corpo material” que contém água pode ter sua constituição atómica modificada. Emoto afirma ser possível fazer uma nuvem desaparecer aos nossos olhos a partir de comandos mentais. A intenção deste trabalho é recriar esse exercício “científico” para oferecer uma experiência lúdica sobre as qualidades do céu, o poder imaginativo e a capacidade humana de se integrar a esses fenômenos. Dessa forma, acreditamos nos aproximar e enriquecer o espaço da ação-educativa proposta para a exposição de Carole Solvay, principalmente no que se refere às abordagens poéticas sobre integração entre arte e natureza e o principio de voo implícito no trabalho da artista.

Prática:

A ação inicia-se após a visita mediada, referências históricas sobre o céu em abordagens sobre liquidez do corpo humano, potência emissiva do pensamento e considerações sobre o espaço, permeiam toda proposta. Logo após essa vivência todos os participantes são convidados a experimentar a “Desmaterialização de Nuvem”.

O conceito de Ação Participativa:

Trata-se de um conceito que considera o campo da performance por um viés relacional. Criado por Murilo Kammer em 2010, propõe uma poética“pedagógica” para construção de conhecimento em processos coletivos e participativos.

Acertos e Erros (reflexões a cerca do que deve ser alterado ou acrescentado ao percurso mediado).

2011-01-04T02:49:00.001-08:00

O exercício de reflexão e "sensibilidade material" antes de entrar na exposição foi ótimo! Os alunos ficarão felizes de poder sentir o material que a artista utiliza, e assim, como esperado por nós do educativo - aquele “desejo” de tocar nos trabalhos foi amenizado.

Aline

Frases do Dia (anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas).

2011-01-04T02:47:00.001-08:00

“Estamos voando”

“Parece neve!”

“Parece a água de um lago evaporando.”

“Ninguém consegue tirar uma foto igual aqui, todas serão diferentes” ( Obra Sussuros”)

“Uma amiga me indicou a expo, dizendo que a artista era fantástica! Aproveitei meu dia de folga e vim ao MuBE. Simplesmente me surpreendi, nunca vi nada igual! Gostaria de me surpreender sempre com esses artistas contemporâneos, ainda mais quando a gente menos espera.”

“É a coisa mais linda que eu já vi! É a natureza pura que não percebemos no nosso dia a dia. Ela conseguiu trazer esse sentimento para dentro do museu. Ela conseguiu trazer a natureza para dentro de mim!”

"Parece um vestido".

"Isso aqui na parede é metal?”

"Se tivesse na passarela faria um grande sucesso".

"Ela matava os animais?”

"Essas penas vem de onde?”

Convivências (devaneios e subjetividades).

2011-01-04T02:46:00.001-08:00

Chegou com toda sutileza, olhava com um sorriso encatador, aos poucos foi conquistando tudo e todos ao seu redor . Essa é Carole Solvay.
Eu diria “fragil”(primeira palavra que eu lia nas caixas das obras). Quando a primeira caixa foi aberta: Penas! Cada uma com seu formato, sua natureza. Porém todas para mim tinham o mesmo caminho e único: apenas sairiam daquelas caixas para se tornarem o que realmente elas eram – Trabalhos de arte!
Os dias se passavam, visitantes davam vida para as obras, e elas ganhavam novas maneiras de serem vistas através de uma mistura de opiniões e troca de conhecimentos. A junção do pensamento infantil com o pensamento adulto traziam alegria para nós educadores.

“A primeira vista da exposição, senti uma mensagem de paz, leveza e tranquilidade. Poder olhar para uma determinada obra e ver que em um instante seguinte ela não esta mais da mesma maneira que vista segundos atrás, me trazia a vontade de sempre querer olhar para as obras, ver que através de um pequeno vento, por as obras serem feitas de penas, não estavam na mesma posição, a obra ganhava novas configurações no meu pensamento.”

Débora

"A artista é leve como suas penas".

Debora

Hoje foi muito especial. Parecia que eu iria ficar só, mas não aconteceu! Foi o melhor dia da semana!

Parece até que os visitantes perceberam que eu estava muito a fim de falar com eles ( na verdade sempre estamos, mas algumas pessoas se fecham para esse contato).

99% dos visitantes quiseram ter uma visita guiada. Trocamos impressões, experiências e mais uma vez foi muito bom poder presenciar os suspiros e os “Nooossaa…” !!!“Maravilhoooso…”!!! “Sensível…”!!! Rs!

As impresssões são bem assim, os visitantes ficaram encantados com a leveza dos trabalhos, mas o ponto alto do dia foi a visita da Miriam Colletto e família, amantes da fotografia.

Fizeram fotos lindíssimas em composição com as obras e me deixaram participar( uhuu!!)

A imagem que mais chamou minha atenção foi feita junto com a obra Crisálida. Olhei para a obra e pensei em espinhos, mas depois pensei na envergadura de duas asas e dei a dica para a Miriam, ela topou e Clik! Ficou uma foto linda e eu muito feliz!

Podemos ver que aquelas penas podem até estar dispostas de um modo diferente do usual, mas não perderam sua natureza, continuam a voar, ainda são asas!!!

Obrigada família Colletto, apareçam sempre! Amei este dia, aguardo as fotos.

Aline

Não parecia que hoje aconteceria algo com uma pitada a mais de especial, mas uma pequenina veio ao museu para me encantar com sua esperteza.

Foi muito bom presenciar o zêlo de um pai que sabe da importancia da educação pela arte na vida de sua filha, ainda mais vivendo em uma cidade agitada como São paulo.

A “Bela” é habituada ao espaço expositivo, se comportou como uma dama. Contei ao pai sobre a proposta do Educativo e ele prontamente mostrou interessse em participar. A “Bela” ficou um pouco “desconfiada”… rs

Fui pegar o material no nosso espaço, atrás de uma cortina no salão e ela disse que lá atrás era um castelo! Aproveitei a oportunidade para tentar descobrir o nome dela, mas foi em vão! Perguntei se ela queria ser a princesa do nosso castelo, ela, claro, disse que sim:

- Mas a princesa do nosso castelo tem que ter um nome né! Disse eu.

- Princesa “Bolinha” – Disse ela.

Muito esperta rs.

Minutos antes ela tinha me dito que as “Robe dames” da Carole não se pareciam com o vestido dela, porque o dela era de bolinha, e as “Robe dames” eram de “Fiapinhos” rs.

Enfim, logo depois ela decidiu que não seria mais princesa Bolinha, e sim, “Bela Adormecida”.

E lá fomos nós, rumo as paredes do MuBE com nossos borrifadores. Foi muito bom ver a empolgação da fofa e seu pai desenhando juntos, e não só desenhando, se refrescando também, pois o calor estava demais!!!

Bem, tudo tem seu final, não é. Nossos novos amigos precisavam ir embora, o legal foi que a “Bela” não queria ir! Ficava correndo pelo espaço externo do Museu, criando histórias e colocando a mim e a seu pai como personagens.

Eles foram embora agradecendo e me deixando com a certeza de que a Arte sempre vale a PENA!

P.S: A “Bela” continuou sendo “Bela” para mim, pois esperta como é, não me revelou seu nome!

Aline

Como foi bom poder presenciar o brilho nos olhos das pessoas que visitaram a exposição de Carole Solvay!

Uma das impressões mais curiosas foi a de uma senhora que disse gostar muito de penas e que também as recolhia para guardar. Deslumbrada diante das obras, ficou muito feliz por sua “colheita” de penas não ter sido em vão diante da ampliação de sentidos que a exposição lhe causou.

Aline

Equipe do educativo para a exposição "Flávio de Carvalho Desveste a Moda Brasileira da Cabeça aos Pés".

2010-11-17T05:11:00.000-08:00

Ações (registro do percurso das propostas práticas desenvolvidas).

2010-11-16T08:10:00.000-08:00

Moldes recortados

"Corpo-Sombra"

Proposta de alterações da sombra do corpo através da interação com moldes de papel.

Experiências lúdicas entre corpo e imagem fotográfica.

Acertos e Erros (reflexões a cerca do que deve ser alterado ou acrescentado ao percurso mediado).

2010-11-16T08:05:00.000-08:00

Com os pequeninos não adianta muito blá, blá, blá… Temos que partir para o lúdico, eles necessitam da imaginação para chegar ao concreto.

Aline

Só o fato de ouvir dos alunos que foi sensacional estar no Mube, e ver nos olhos deles o quanto foi bom estar conhecendo e vivenciando arte através das experiências corporais propostas para a exposição, isso é um acerto.

Amabile

Frases do Dia (anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas).

2010-11-16T07:56:00.000-08:00

“Arte da trabalho pra fazer !”

“Gostei de vir aqui, sensacional”

“Nunca fui em um museu”

"As sombras estão sempre presentes"

"Um grande legado deixado por Flávio de Carvalho"

Convivências (devaneios e subjetividades).

2010-11-16T07:48:00.000-08:00

Cadernos de bordo do educador Marcelo Maffey. São registros e anotações gráficas sobre impressões visuais e subjetividades relacionadas ao período em que trabalhou na exposição.

Moda… Afinal, pra que serve?

Pra que? Porque usamos roupa? Qual é a motivação desta necessidade de estar vestido de acordo com a moda? “moda” é moda?

Aline

Do que se esconde o homem?

Por que tanto se camufla o homem?

Se esconde do seu próprio Eu…

Revelar… Perigoso…

Se expor… Se abrir…

Vulnerável…

Mesmo sem palavras…

Não importa a cor da camuflagem…

seu corpo fala…

Fala de Si…

Para Si…

Revela-Se…

Aline

Porque que ela ta com essa cara de ai… ai… ai…

Incrível como se pode perceber impressões tão diferentes em uma mesma foto.

Uma pessoa pode olhar para a imagem de uma modelo com um vestido de cauda e usando cartola, com um ar misterioso e analisar a composição, as cores, os “pixels”… Mas como é interessante observar a análise feita por olhinhos "ingênuos", olhos que olham com simplicidade e pureza como os de uma linda garotinha que veio com os pais para ver a exposição. Ela não olhou para a cauda, sequer pensou no equilíbrio, no pudor… Olhou para o chapéu, nem se passou pela sua mente a ideia de "aprisionamento da alma" proposto por Flávio de Carvalho em seu texto. Tudo o que ela observou foi a expresão facial da modelo: “Porque que ela ta com essa cara de ai… ai… ai…(suspiros)?”

Aline

Equipe do educativo para a exposição da artista francesa Nathalie Decoster.

2010-10-17T06:29:00.000-07:00

Curadoria (diálogo com a abordagem curatorial).

2010-10-17T06:27:00.000-07:00

O processo de criação pedagógica proposto para a exposição da artista Nathalie Decoster se iniciou a partir da abordagem curatorial. O desenvolvimento das ações criativas explora uma visão "existencial" em dialogo com a História. Em leitura à obra da artista, desdobramentos espaço-temporais, fenomenológicos e psicológicos são propostos pelos educadores em sucessivos exercícios ao longo da visita mediada.

Segue abaixo texto do curador Marcus de Lontra Costa:

O TEMPO, O ESPAÇO E A ESCALA DO HOMEM

“O espaço onde a vida se move é um dado ao qual ela se submete; o espaço da arte é matéria plástica e mutável”

Henri Focillon
“A Vida das Formas”

“Navegar é preciso, viver não é preciso”

Anônimo português

Os últimos 50 anos assinalam profundas transformações em alguns postulados artísticos tradicionais. A crise do modernismo, o surgimento de uma sociedade pós industrial e o advento de novas tecnologias acabaram por ressignificar a função da arte e seu papel essencialmente questionador da realidade e de seus paradoxos. Poucos conceitos foram questionados de maneira tão intensa quanto a técnica da escultura. Se ao longo do século XX o modernismo ampliou as técnicas e os valores estéticos da escultura acadêmica; a ação contemporânea pulverizou de certa maneira essa ampliação modernista, introduzindo no campo da tridimensionalidade novos vocábulos como objeto, instalações, happenings e performances que hoje ocupam grande parte do cenário estético internacional.

A complexidade das relações humanas num mundo onde o real e o virtual algumas vezes parecem conflitar-se acaba por afirmar o espaço público como centro dessas tensões. A urbe contemporânea é o local da ação, palco de intervenções que procuram estabelecer uma nova forma de ação e circulação das pessoas e de suas idéias, compreendendo a cidade como local da diversidade cultural com suas várias tribos e seus grupamentos humanos complexos e diferenciados. A edificação de elementos artísticos, intervenções urbanas fundamentais para a identificação simbólica de seus habitantes, exige novas formas de discussão e conceitualização, visando assim à práticas mais saudáveis de democratização da informação e pertencimento do espaço comum, ação fundamental para o pleno exercício da cidadania.

O mundo contemporâneo, supostamente sem ideologia dominante, não abdica da necessidade humana de construção de novas formas, novas simbologias, novas utopias. Em contrapartida a um modernismo de caráter urbanístico, arquitetônico e paisagismo autoritário a arte contemporânea responde com novas ações e intervenções nas quais a arte e a comunicação estabelecem novas articulações, de caráter muitas vezes vago e impreciso, reflexo do tempo em que vivemos, do espaço que habitamos. Entretanto, a presença de elementos reais e concretos ainda se impõem na malha urbana como referência visual, ponto de encantamento ou estranhamento do olhar. Essa é e sempre será uma função essencial da ação artística: buscar o inesperado, a surpresa, o momento em que o olhar revela a diferença, a criação e provoca assim a essência criativa do ser humano.

Nathalie Decoster é, essencialmente, uma artista voltada para o diálogo com a História. Em consonância com a tradição, a escala de seu trabalho é a escala humana. A partir dela, a artista cria uma linguagem na qual o Tempo é o agente estruturador da obra. Coerente filosoficamente com a máxima socrática, “sei que nada sei”, a arte é um instrumento de superação dos limites de uma realidade que faz da consciência humana prisioneira do Tempo. Na verdade, a arte é em essência uma equação entre o tempo e o espaço. Por isso, no universo de Nathalie, o Homem é o andarilho. O caminho percorrido estabelece a íntima relação entre o tempo e o espaço e é esse o momento da ação e da transformação empreendida pela arte. O homem justifica-se pelo seu percurso, personagem e cenário que se confundem numa aventura de descoberta e recriação do mundo.

A artista nos fala constantemente desse mistério do tempo que se esvai, do tempo que permanece, de suas variáveis, de suas velocidades. Para ela, nessa caminhada humana, o Homem se supera através dos vestígios de sua presença e nesse sentido a arte adquire a aura da atemporalidade. Essa visão humanista na qual o romantismo e a utopia atuam de maneira substantiva valorizam a beleza e a dignidade da existência diante da amplidão de um universo que revela a fragilidade do planeta. Por isso, nas suas obras, a tecnologia é apenas um instrumento a ser apropriado para falar sobre e para o ser humano. As figuras antropomórficas criadas pela artista são metáforas contundentes e precisas do mistério da vida. Contemplá-las é, ao mesmo tempo, olhar para o mundo e para nós mesmos, compreender o caminho da história e o caminho de nossas vidas, refletir sobre aquilo que se foi e aquilo que virá. Nathalie valoriza a capacidade da espécie humana de recriar a paisagem e transformar o mundo concreto e a realidade objetiva através da ação artística. Aqui, a arte é um instrumento da Verdade.

Nathalie Decoster acentua a essência simbólica das formas e volumes criados ao longo de nossa história. Dos elementos totêmicos identificadores dos grupos humanos, marcos centrais, definidores do espaço das tribos, passando pela iconografia divina que encontra eco na estátua de Zeus em Olímpia até o Cristo Redentor no Rio de Janeiro, tempos e geografias unidos pela essência da arte, a artista manipula a história e se aceita como herdeira de uma tradição visual na qual os moais da Ilha de Páscoa dialogam com a arte moderna e contemporânea, aproximando geografias e histórias. “A grandeza do homem consiste em que ele é uma ponte e não um fim”. Em consonância com Nietzsche, Nathalie entende a arte como condutora desse processo.

A constante relação da artista com a História permite que ela esteja constantemente sintonizada com o mundo contemporâneo. Coerente com a sua visão humanista, Nathalie incorpora novos conceitos e novos signos de comunicação em seu universo criativo. Assim, surgem elementos do cotidiano, garfos, potes de zinco, vassouras, objetos que transcendem a sua função utilitária original para se afirmarem como concretudes de um mundo que está a exigir um novo comportamento humano baseado na sustentabilidade, na reciclagem, na valorização do planeta. A escultura “Arvore da vida” sintetiza o universo poético da artista. Nela, o tempo, o ser humano e o planeta se integram de maneira harmônica, vida e morte se alternando e se justificando numa obra de forte impacto visual que transcende os limites de contemplação do Belo para provocar a sensibilidade e a inteligência dos espectadores.

Os generosos espaços do Museu Brasileiro da Escultura (MUBE) tornam-se um cenário ideal para as obras da artista. A associação entre a figura humana e a construção de uma geometria essencial composta por círculos e retângulos identifica-se com os princípios norteadores da própria arquitetura do museu. Potentes em sua beleza e seu simbolismo, as esculturas de Nathalie Decoster falam sobre o Homem e seus espaços de ação e circulação. A presença desse conjunto de obras no mais dinâmico centro urbano de nosso país, a cidade de São Paulo, constitui um belo momento no qual a criação estética e a paisagem arquitetônica compõem um eficiente discurso sobre a função da arte e sua inserção no mundo dos dias atuais.

Marcus de Lontra Costa

Ações (registro do percurso das propostas práticas desenvolvidas).

2010-10-17T06:24:00.000-07:00

Chegada ao Museu

Grupo iniciando a visita com a educadora Malu.

Nathalie Decoster com um grupo de alunos em visita ao Museu.

"Corpo relacional"

"O salto" - exercício lúdico como metáfora existencial/relacional entre consciência, corpo e mundo.

Exercício de ocupação espacial.

Exercício metafórico de busca por um espaço "individual/existencial". Investigação das possíveis dimensões arquitetônicas em torno do corpo, seus desdobramentos poéticos e analogias psicológicas.

Acertos e Erros (reflexões a cerca do que deve ser alterado ou acrescentado ao percurso mediado).

2010-10-17T06:23:00.001-07:00

Cometi um erro por esquecimento, devo sempre me lembrar de que é importante fazer uma fala preventiva, é importante avisar que os visitantes devem ter atenção ao adentrar o espaço da exposição, os cuidados com as obras para segurança destas e mesmo dos próprios visitantes. Outro ponto importante é lembra-los que respeitem o educador na condução do grupo e que os professores fiquem próximos a nós para mantermos a organização e o respeito dos alunos ao longo da visita.

Malu

Acerto: Foi bem bacana a experiência da oficina corporal. As crianças passam a entender melhor o seu corpo, o volume no espaço e a importância de saberem qual é o seu espaço no mundo em que está "atado", em que momento se sentem pequenos e em que momento grandes.

Malu - Maria Luiza

Frases do Dia (anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas).

2010-10-17T06:22:00.001-07:00

"Ele esta caminhando para sempre..."

"Essa é uma parede, e se chama concreto".

"Para onde a gente vai quando salta? para o ar".

"Eu me sinto muito pequeno nesse quadrado!"

"Nesse ele está em um circulo dentro de um quadrado, não tem pra onde fugir!"

“Ele está no seu mundo dentro do círculo. E eu estou no meu mundo, dentro do quadrado.”

“Ele está pendurado lá em cima e seus pés não tocam o chão. É muito perigoso querer estar só em cima, ele pode cair!”

“Os mundos das pessoas se encontram nessa escultura.”

“Nossa !!! esse cobertor é igual o da minha mãe, da até vontade de dormir”

“Essa estatua é mulher, por que tem seios”

“O mundo dele se encontra com outro, então ele esta apaixonado ! ”

Convivências (devaneios e subjetividades).

2010-10-17T06:20:00.001-07:00

Eu achei o máximo a monitoria de hoje com um grupo de alunos da E.E. Tancredo Neves.

Logo ao entrar no Museu, conversamos sobre a arquitetura abrigar espaços expositivos subterrâneos, isso despertou o interesse deles conhecerem mais o museu.

Ao adentrar na exposição de fotografia entenderam o conceito geral dos textos de Flávio de Carvalho e conheceram um outro tipo de moda. A moda que existe desde que nascemos, que faz parte do nosso corpo e o que agregamos e passamos a usar como uma segunda pele, como adorno ou usual, como uma maneira de se apresentar ao mundo.

Podemos nos mostrar através de nosso comportamento, podemos afastar ou aproximar as pessoas de nosso entorno, decidimos a nossa "moda".

Na exposição de esculturas de Nathalie Decoster, trabalhamos conceitos vistos também na outra exposição. A questão do movimento e do sujeito em relação a esse espaço em que esta atado e a principal discussão. As crianças passaram a respeitar mais as obras e a olha-las de uma maneira diferente ao sairem da exposição.

Para finalizar, fizemos uma atividade onde ocupamos o lugar de uma escultura, se colocando em espaços do mube, onde cada um seria uma escultura se apresentando ao mundo. Qual a estrutura que "circula" você? Essa foi a pergunta feita para inicio da proposta corporal. Fiquei bem satisfeita com os resultados, os visitantes puderam sentir na "pele" os conceitos que trabalhamos na exposição.

Malu

Devaneios:

Estou dando voltas pelas exposições, estou andando em círculos.

Sao movimentos em rotação, como o conceito da exposição...

Movimento: movimentando em círculos...

Um trajeto de uma ponta a outra da escultura.

Eu dei uma volta, meus olhos também dão essa volta....estou andando em círculos.

O vermelho e usado para correção, o vermelho chama a atenção, deixa marca, situa e nos obriga a olhar diretamente para ele.

Malu

Sexta-feira pela manhã: O grupo do projeto “Memórias” se reúne na sala Pinacoteca, onde fica a exposição da Artista Nathalie Decoster, para mais uma apreciação antes da aula prática no ateliê.

Sentam-se em frente à obra “Árvore da Vida” (o grupo é composto por adoráveis vovós!). A professora começa os diálogos com uma calorosa recepção, apresentando os novos alunos, os recebe com muito afeto. Começa então o diálogo sobre o que estão vendo ali, uma árvore com bonequinhos de bronze pintados de vermelho pendurados, como se fossem frutos da árvore. Um deles diz se lembrar de uma árvore genealógica, aquela árvore onde podemos montar a história de nossa família tataravós, bisavós, avós, pais e assim vai... Acompanhei por alguns instantes as discussões: alguns se lembravam da infância, dos pais, dos filhos, amigos e um fato que marcou minha vida naquela manhã, uma senhora lembrou-se de uma perda, não consegui saber quem ela havia perdido, se o esposo, ou um filho, mas o importante foi que ela começou a abrir o coração e falar que não sabia como lidar com aquela perda, que era difícil o dia-dia sem aquela pessoa querida.

Foi muito tocante! Pude perceber o grupo aproximando-se mais daquela senhora, cada um com uma palavra de ânimo para dar enquanto saiam do salão e caminhavam em direção ao ateliê. Uma frase que marcou, foi a da professora, que falou “é muito difícil, mas o melhor é dar tempo ao tempo...”.

Tempo ao tempo... Que lindo! Realmente o tempo move a vida, cada dia, cada fase de nossa vida, cada minuto é um aprendizado eterno.

Aline Rodrigues

Esse espaço deveria estar aberto e iluminado com luz natural, fica tão bonito em dia de vernissage, creio que pela iluminação verde.

Malu

Se o Museu é uma escultura e todos somos esculturas passeando pelo espaço expositivo tridimensional, não seria o caso de apenas existir em sua concretude e silêncio? Aí esta a importância da matéria humana, que é esse corpo que tem vida no espaço e "conversa" com o seu entorno, SEU espaço que está contido. Incrível como uma simples oficina corporal faz essas pessoinhas pensarem grande.

Malu

Equipe, parceiros e colaboradores da mostra Brecheret - Mulheres de Corpo e Alma

2010-06-24T14:38:00.000-07:00

Curadoria (diálogo com a abordagem curatorial)

2010-06-17T06:15:00.000-07:00

O processo de criação pedagógica proposto para a exposição Brecheret - Mulheres de Corpo e Alma foi iniciado a partir da abordagem curatorial. Todas as ações criativas foram desenvolvidas tendo como base o pensamento escultórico e a discussão sobre a presença do feminino na obra do artista.

Segue abaixo o texto da curadora Daisy Peccinini:

O tema da mulher na arte de Victor Brecheret (1894-1955) ocupa uma posição importante e privilegiada. Com efeito, a figura feminina está presente na maior parte da sua extensa produção, que percorre quase quatro décadas.

A mulher na arte de Brecheret provém da manifestação de arquétipos, na condição definida por C. G. Jung (1875-1961) como modelos do feminino inatos, que servem de matrizes para diferentes desenvolvimentos sensíveis e formais; como fontes últimas dos padrões emocionais de nossos pensamentos, sentimentos, instintos e comportamentos. É um tema recorrente, que vai e volta na trajetória do artista travestido de diferentes formas, materiais e atmosferas emocionais.

A exposição Brecheret – Mulheres de Corpo e Alma quer apresentar o eterno feminino do artista, a sua arte relacionada à anima, o feminino que habita em todo homem e, portanto, no artista escultor, emergindo na sua psique, seus humores, sentimentos, intuições, receptividade ao não racional, à capacidade de amar, à sensibilidade à natureza. Não foi por acaso que Jung, em 1920, definiu a arte como “a expressão mais pura que há para a demonstração do inconsciente de cada um. É a liberdade de expressão, é sensibilidade, criatividade, é vida”.

É importante ressaltar a linhagem escultórica de Brecheret, diferentemente dos escultores que desbastam a pedra no processo de talha direta para a realização de sua obra, como Michelangelo (1475-1564), que preconizava e definia como sendo a verdadeira escultura. Brecheret foi, acima de tudo, um escultor que agregava massa para modelar formas, um incansável modelador da greda, o barro úmido que, habilidosamente, constituía suas esculturas. Há um sentido fortemente feminino, o trabalhar com o barro, com a terra, símbolo direto da grande Mãe, que dá origem às criaturas. Ao mesmo tempo, Brecheret chamava suas esculturas como “suas filhas”, sentindo-se um taumaturgo, um pai criador de suas obras. Preferindo essa criação direta com o barro, Brecheret preocupava-se em dar uma tonalidade quente e singular a suas amadas terracotas e “filhas”. Com cuidado, as banhava com leitelho – soro de leite. Esse líquido esbranquiçado dava um brilho especial às terracotas, clareando as tonalidades, ao mesmo tempo em que os pequenos coágulos brancos se inseriam nas reentrâncias da peça, agregando maior luminosidade. É uma marca diferencial de suas terracotas.

Tanto nas pequenas como nas grandes peças são predominantes os nus femininos, que são gerados pela modelagem da terra, argila úmida, material essencial na obra de Brecheret. A relação é direta com o simbolismo feminino da Terra, como grande Mãe, a deusa Gaia, Geia ou Gê, elemento primordial e latente de uma potencialidade geradora ilimitada.

Para melhor compreender a arte da escultura do mestre Brecheret, deve-se refletir sobre a verdadeira natureza da escultura. Bem diferente da bidimensionalidade da pintura, a escultura é já tridimensional, a sua função torna-se efetiva em termos de sensação de forma, de movimento para fora, de espaços abertos e fechados. A obra penetra espaços circundantes e compartilha os do próprio observador. Toda escultura estabelece um diálogo entre corpos extremamente forte; entre ela e quem a observa.

A obra escultórica oferece uma oportunidade de contemplação, bem como de prazer sensível por sua presença física, no mesmo espaço do corpo físico do público. Por sua natureza, portanto, é uma arte que apela à sensibilidade e à sensualidade, porque desenvolve imediatos estímulos visuais em relação à forma, ao corpo, à textura, ao movimento no espaço. Usualmente, o caminhar em torno da obra cria novas sensações visuais, emocionais e sensíveis da forma, luz-cor e contemplação do significado. Essa volta em torno da obra gera experiências significativas, em que novas perspectivas aparecem ou a iluminação que escorre sobre os volumes se modifica, e alguma das formas encontra eco em nosso imaginário pessoal. Enfim, a escultura acaba por fascinar com esse jogo sensório de nuances estéticas e psicológicas.

Ações (descrição e registro do percurso das propostas práticas desenvolvidas)

2010-06-17T05:54:00.001-07:00

Corpo e espaço negativo - percepção espacial

Corpo e pensamento espacial/escultórico

Enquadramento de papel - investigação do espaço positivo e negativo, síntese aditiva e subtrativa nos procedimentos perceptivos, operacionais e poéticos.

Corpo em resposta - exploração do espaço expositivo, diálogo com a representação escultórica.

Painel interativo - investigações lúdicas sobre o corpo e o desenho escultórico.

Acertos e Erros (reflexões a cerca do que deve ser alterado ou acrescentado ao percurso mediado)

2010-06-17T05:53:00.001-07:00

Frases do Dia (anotações em torno do que se ouve nas visitas mediadas)

2010-06-17T05:52:00.001-07:00

"Esse homem trabalhou muito"

"Parece chocolate branco"

" Aqui sim da vontade de escrever, na escola eu não tenho".

Convivências (devaneios e subjetividades).

2010-06-17T05:51:00.001-07:00

Quem pensa que um museu é sempre um lugar silencioso, calmo e até monótono é por que não passa muitas horas em um...
Estávamos eu, Fábio e Cleber, o segurança, falando sobre alguma coisa, eis que surge um senhorzinho e se dirige aos desenhos, por um breve momento houve silencio até que aquele pequeno homenzinho, que poderia ser meu avô soltou o famoso “Adolf”, mas ele foi tão sutil, tão sutil, que parecia até uma metralhadora em plena guerra do Vietnã, eu juro que tentamos, nós realmente tentamos, mas foi praticamente impossível não rir diante da expressão de “Não tenho nada haver com isso...” que ele fez e continuou olhando os desenhos como se nada tivesse acontecido. O pior de tudo é que depois toda vez que olhávamos um para o outro começávamos a rir como bobos. E eu que nunca imaginei passar por uma dessas...
Karen Cristhine

Certamente não há nada mais gratificante do que ser testemunha de olhares curiosos e maravilhados ao verem desvendados diante de seus olhos a história, o processo, a técnica de um artista e sua obra.
Dia desses pude testemunhar isso, um menino, de aproximadamente 12 anos, ao ouvir o processo de fundição de uma escultura em bronze arregalou os olhos e começou a olhar tão intensamente, tão atentamente, em todos os ângulos, se interessou muito mais pelas outras esculturas e passou a olhar de verdade e não apenas ver.
O conhecimento sem duvidas amplia a visão, amplia a ânsia pelo saber, desperta novos desejos e é sem duvida através dele que podemos nos tornar pessoas melhores. E engraçado para mim, ter a noção de que eu um dia estava no lugar desses alunos e foi através do educativo da Pinacoteca do Estado que eu descobri que amava a arte e a educação.
Karen Cristhine

Mesmo com o pouco tempo de convivência com a obra de Victor Brecheret é o suficiente para saber que ele sempre soube onde iria chegar... desde aquela “ingenuidade” da “Adolescente” até a perfeição da obra Sra. Mindlin.
Observando todas estas esculturas eu lembrei do Pintor Gaugin e
De uma pintura sua, com o título:
“De onde viemos? Quem somos? E para onde estamos indo?
Sempre tenho este questionamento comigo e, trilhando o caminho de arte educador que estou, eu tenho a certeza de para onde estou
Indo, pois a arte educação é uma janela para o mundo, onde podemos estar em várias culturas, crenças, tradições sem mesmo sairmos do nosso maravilhoso país.
Acredito que todos nós, mesmo subjetivamente sempre temos a certeza de para onde estamos indo.

Joseph

Não consigo encarar uma exposição como algo tedioso e sim como uma aventura longa e imprevisível, como se fossemos viajantes em alto mar. E sou, por profissão, um porta-voz de tal experiência e, ao mesmo tempo, audiência atenta da espirituosidade dos alunos, pois tudo o que digo vem acompanhado da inquieta sensibilidade que recebo deles. Então quando já estamos dentro da exposição e digo um pouco sobre a suavidade do mármore, sobre sua delicadeza, me dizem que parece chocolate branco. Ou então, quando digo que não se pode tocar nas obras, vejo aquele olhar demorado que possuem, como se a tocassem com as mãos. Se digo que o bronze tem o som de um sino, me dizem que não vão faltar à próxima missa. Se digo para darem a volta na escultura, escuto por um deles, que assim vai perder o mais importante: o modo como a escultura olha. Se digo que uma das peças, em mármore, parece sabonete, de tão lisa, alguns chegam mais perto para sentir seu perfume. Se digo que nas mãos de Maria, vemos o menino Jesus, então uma das crianças fala que nem ninho de pássaro é tão confortável. Posso, às vezes, até ir à frente deles e perceber depois que, um ou outro, ainda quer permanecer junto da escultura anterior. Mais de uma vez, me perguntam o motivo de um sorriso não durar tanto tempo, já o dá escultura... No entanto, não sei o que responder. Além disso, mal posso pular algumas esculturas que sou repreendido por alunos atentos. Uma vez, mostrava uma peça chamada "Ritmo" e ouvi, de repente, um assovio melodioso e sibilante. Perguntei o motivo e ele, de olhar vivo, disse: - Sem a música que faço, como posso entendê-la?
Percebo, então, que o museu transforma a lousa da escola em grande e arejada janela.
Fábio